viernes, 18 de marzo de 2011

Cristo en brazos de la muerte de Ricardo de la Flecha


Se trata de una obra titulada Cristo en Brazos de la Muerte, un trabajo atrevido, trasgresor y muy innovador dentro de su género. La talla en madera podrá ser visitada a partir del próximo 16 de marzo, con motivo de la inauguración del Centro Cultural San Vicente Ferrer y la apertura del Centro de Interpretación Huellas de Pasión, en la localidad de Medina del Campo (Valladolid), cuya Semana Santa es la más antigua de España y presenta el conjunto de imaginería procesional renacentista del siglo XVI más sobresaliente del país.

Dicha Semana Santa también es innovación, es renovación y juventud y por ello apuesta también por la creación, por el arte contemporáneo representado en esta obra de 250 cm, labrada en madera policromada.
El autor de la pieza, el prolífico escultor e imaginero zamorano Ricardo Flecha, nacido en el año 1958, posee obras procesionales en Zamora, León, Benavente (Zamora), Valladolid, Toro (Zamora), Lugo, y otros pueblos y ciudades de toda España. Para Medina del Campo realizó en el año 1994 el paso de la Cruz Desnuda con destino a la Cofradía de Nuestro Padre Jesús Atado a la Columna, obra que también podremos contemplar en el nuevo Centro San Vicente Ferrer. Además de su trabajo para los desfiles penitenciales, posee múltiples creaciones de diversa índole con las que ha participado y participará en exposiciones de arte sacro muy importantes.

La figura podría definirse como una versión macabra de la iconografía de Cristo Muerto Sostenido por Dos Ángeles, muy cultivada en los periodos renacentista y barroco. En este caso las figuras angélicas son reemplazadas por una estilizada representación de la muerte levitando, encapuchada y sin rostro, heredera del arte medieval.
El aspecto más siniestro de la parca se manifiesta en las monstruosas manos, para lo cual Flecha deja el material apenas sin refinar, en casi toda su dureza. Cristo, completamente desnudo, muestra dolor y desamparo en su expresión, algo ilusorio al igual que todo el simulacro, pues el triunfo efímero de la muerte se verá truncado con la Resurrección a la vida eterna según los postulados del Cristianismo, extensibles también a otras religiones.
Para los responsables del Centro San Vicente Ferrer, estamos ante una obra maestra, tanto por la técnica y acabado de la misma, como por lo que representa, nueva iconografía escultórica procesional en España y en el mundo.

No queda aquí la aportación de Ricardo Flecha al Centro San Vicente Ferrer en particular, ni a la Semana Santa de Medina del Campo en general, ya que lo anterior se complementa con la donación de una imagen de Jesús Orando en el Huerto de los Olivos, la cual ya se encuentra ubicada en el patio de la Ermita de Nuestra Señora del Amparo, que une esta con las nuevas dependencias del Centro San Vicente Ferrer.
Si pulsan sobre el icono que acompaña la noticia, podrán ver más fotografías de una sugestiva escultura sacra que participará, el próximo sábado día 9 de Abril, en la Magna Procesión Extraordinaria del VI Centenario de la Institución de las Procesiones de Disciplina en Medina del Campo. El grupo irá portado en andas y a hombros por integrantes de las ocho hermandades que desfilan en la Semana Santa del municipio vallisoletano.
 ..............
Fuentes:
La Hornacina: http://www.lahornacina.com/noticiasflecha1I.htm
Centro San Vicente Ferrer: http://www.centrosanvicenteferrer.es/

David de Miguel Ángel

TIPO DE OBRA: escultura. 
TÍTULO: David. 
LOCALIZACIÓN: Galería de la Academia. Florencia (Italia). Hasta 1947 la escultura estuvo situada en la Plaza de la Señoría de la misma ciudad, donde ahora puede contemplarse una copia. 
AUTOR: Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564). 
FECHA: 1501-1504  
ESTILO: Renacimiento italiano. Cinquecento. Escultura.
Miguel Ángel representa al rey David como atleta, pero no como joven atleta, sino como un hombre en la plenitud de su vida. El artista eligió, como motivo para la obra, el momento previo al enfrentamiento de David con el gigante Goliat (cuya cabeza no aparece derrotada a sus pies, como era usual en otras representaciones). Por ello, el aspecto contenido y expectante que nos muestra la figura, con los rasgos típicos de un luchador que se apresta al combate. Esa expectación se traduce en la mirada, enormemente penetrante, y se expresa también mediante la tensión corporal: la musculatura (e incluso los tendones y las venas) son claramente perceptibles. En definitiva, podemos hablar de un movimiento claramente contenido, que se convierte en pura tensión corporal.
Además, para que la tensión no pueda confundirse con un absoluto equilibrio, Miguel Ángel emplea el contrapposto y aumenta los volúmenes de ciertas partes del cuerpo, que vienen a simbolizar la fortaleza del rey David. Tales rasgos son claramente perceptibles en el tamaño de la cabeza (cuyo canon corresponde a 1/8 del total del cuerpo) y en la potencia y tamaño de la mano derecha, que sujeta la piedra, arma que el rey empleará para derrotar a Goliat. Todo ello conduce al concepto de terribilitá que caracteriza otras obras del autor.
Todos estos rasgos convierten a la figura escultórica del rey David en un símbolo de la libertad, y representan a la perfección los ideales renacentistas de belleza masculina.


El Expolio de El Greco


El Expolio de Cristo, encargado por el Cabildo de la catedral de Toledo. La cronología de esta obra es 1577-1579 y la técnica que utilizó fue el óleo, sobre lienzo (285x173 cm.). El tema del Expolio, se centra en el momento en que Jesucristo va a ser despojado de sus vestiduras al comienzo de la Pasión.
En la escena, Cristo está rodeado de una multitud de personajes dispuestos conforme a una inteligente disposición. La masa sombría de las cabezas de los presentes domina el rostro claro de Jesús, con los ojos brillantes que miran al cielo. La cabeza de Cristo está rodeada por dos perfiles gesticulantes; su alta figura está flanqueada a la izquierda por un guerrero de elegante armadura y a la derecha por un verdugo que se apresura a despojarle de su túnica. Abajo, a la derecha, un hombre que clava un clavo en la cruz está de frente al grupo de las tres Marías, que le observan a la izquierda con turbación.
El Greco renunció a la profundidad del espacio para dar toda su fuerza dramática a la presión de la muchedumbre tumultuosa que parece empujar a la figura de Cristo hacia nosotros, obligándonos a compartir la emoción de la escena.
La figura de Cristo parece rellenar el espacio, gracias a la sugestión de los colores y a su poder emotivo. La mancha roja de la túnica de Jesús, auténtica llama que se refleja en un inteligente juego sobre la armadura del soldado de al lado, estalla sobre los tonos tierra de las cabezas que se agitan tras Él y sobre el verde sombrío, el azul y el amarillo de los personajes que le rodean.
El Greco organizó los colores, en una paleta fuertemente influida por el cromatismo veneciano, alrededor del rojo llameante de la túnica de Cristo, que parece llenar enteramente el espacio ya invadido por la muchedumbre que le rodea. Domina el color sobre el dibujo de acuerdo también con la Escuela Veneciana. 
Se aprecian características manieristas: escorzo, alargamiento, zonas de caos y zonas vacías, colorees, gesto de la mano, sensación de agobio, falta de perspectiva (solo en cabezas y lanzas).

LA CAPILLA SIXTINA


Se dice que tardaron tres años en armar esta presentación.

CUANDO ABRAS COMPLETAMENTE LA IMAGEN HACER CLIC CON EL RATÓN SOBRE LA IMAGEN HACIA LA DERECHA, IZQUIERDA, ARRIBA Y ABAJO PARA VERLA EN SU TOTALIDAD. APARTE, ABAJO A LA IZQUIERDA HAY UN + Y UN - PARA AUMENTAR Y DISMINUIR LA IMÁGEN.

http://www.vatican.va/various/cappelle/sistina_vr/index.html

Otro enlace con información:
http://mv.vatican.va/4_ES/pages/CSN/CSN_Main.html

domingo, 13 de marzo de 2011

Clasificación obras de el Greco


Obra: Laoconte
Autor: El Greco
Fecha: Siglo XVI
Estilo: Renacimiento español
Laoconte, se trata de una pintura poderosa en el estilo Manierista, con inspiraciones clásicas y cambios contemporáneos que le dan el misterio de muchas interpretaciones. El examen de las calidades formales y contextuales de la pintura revela algunos de estos misterios.
El Laocoonte, sin duda, fue inspirado por la escultura de mármol del mismo nombre, que representa a Laocoonte y sus dos hijos y que fue descubierta en Roma en 1506.
Obra: El entierro del conde de Orgaz
Autor: El Greco
Fecha: Siglo XVI
Estilo: Renacimiento español
(ya analizada)


Obra: El caballero de la mano en el pecho
Autor: El Greco
Fecha: Siglo XVI
Estilo: Renacimiento español

“El Caballero de la Mano en el Pecho” es un retrato a un hombre que todavía no se sabe su identidad. Esta vestido con un traje negro con cuello y puños de encaje y, los únicos detalles que se le ven son un colgante y su espada, por la cual sabemos que es un caballero.Se sabe que El Greco pinto el retrato, en los primeros años de su estancia en Toledo. Lo más llamativo, es la expresividad de su mirada, una mirada que mantiene fija al espectador y, el naturalismo con el que esta pintada su mano.



Obra: El Expolio, Catedral de Toledo
Autor: El Greco
Fecha: Siglo XVI
Estilo: Renacimiento español
(ya analizada)
Características de la pintura del Greco
La pintura del Greco es una pintura muy espiritual, aunque también fue un magnífico retratista como se puede ver en el Entierro del Señor de Orgaz o en el Caballero de la mano en el pecho.

Una de las características de este pintor es que la luz parece salir de los personajes de su obra. Utiliza colores muy intensos que en las zonas más iluminadas de sus obra se convierten casi en blancos.

Realiza las figuras alargadas para dar mayor expresividad. Esta tipología de figuras alargadas se ve sobre todo en obras de carácter espiritual, puesto que como hemos visto antes, a la hora de realizar retratos, sus personajes no tienen esta característica.

Búsqueda de expresiones místicas, las formas se elevan en un movimiento ascensional.

Arquitectura del Renacimiento Español


1.Universidad de Salamanca
Autor:...
Fecha: 1411
La fachada es el elemento más conocido: está dividida en tres cuerpos. El primero contiene el medallón de los Reyes Católicos que empuñan el mismo cetro, y sobre sus cabezas el yugo de Fernando y las flechas de Isabel. El segundo cuerpo contiene en el centro el escudo de Carlos V, rematado con un globo y una cruz sobre una espectacular corona; a la derecha el águila de San Juan y de los Reyes Católicos, a la izquierda el águila bicéfala del Imperio. En el tercer cuerpo hay una capillita donde se halla Papa Benedicto XIII que exhorta los clérigos. La construcción fue dedicada a los Reyes Fernando e Isabel en 1534, muchos años después su muerte.

2.Palacio de Carlos V en Granada
Autor: Pedro Machuca
Fecha:1533
La planta del palacio la conforma un cuadrado de 63 metros de lado con un patio circular inscrito en su interior. Esta disposición, principal rasgo manierista del palacio, no tiene precedentes en la arquitectura del Renacimiento, y sitúa la construcción en lo que se considera la vanguardia artística del momento. El edificio consta de dos niveles: el bajo es de orden toscano completamante almohadillado, en cuyas pilastras se insertan grandes anillas de bronce decoradas. El piso superior es de orden jónico y sus pilastras alternadas con vanos adintelados provistos de frontón. Las dos fachadas principales ostentan sendas portadas de piedra. El patio circular también muestra dos pisos. El inferior está presidido por una columnata dórica de piedra pudinga con un entablamento muy ortodoxo, formado por triglifos y metopas con motivos de guirnaldas y bucráneos. El piso superior lo forma una columnata jónica, más ligera, con entablamento liso. Esta estructura general del patio muestra un claro conocimiento de la arquitectura imperial romana, y se encuadraría en el más puro Renacimiento de no ser por su disposición curva, que provoca en el espectador desconcierto cuando se penetra por sus fachadas principales, y supedita los espacios interiores y escaleras a la idea generatriz.